(电音迷幻)【兩個大巨頭聯手打造的專輯】Brian Eno 系列二十三 - Wrong Way Up (APE)

admin · 发表于 2009-2-5 19:27:59

Wrong Way Up

音乐家: Brian Eno 布莱恩.伊诺 & John Cale 约翰·凯尔
专辑: Wrong Way Up
年份: 1990
类型: Prog Rock 前卫摇滚, Art Rock 艺术摇滚
音质: APE 多轨 / 287 MB

专辑介绍 :
Eno与前The Velvet Underground成员John Cale的合作有着异曲同工之妙，Eno曾参与Cale的1974至75年间的三部曲专辑《Fear》、《Slow Dazzle》和《Helen of Troy》，1990年两大巨头再度合作出来的《Wrong Way Up》专辑。

John Cale
★ “极微主义极简主义”的始祖、前卫古典大师、
★世界摇滚乐界公认最有影响力最深的艺人之一

John Cale 约翰·凯尔是一名无法用三言两语匆匆带过的传奇人物。
出生于威尔斯的矿工家庭，Cale从小即在母亲的严厉监督下学习乐器。当别的男孩于外头踢足球时，Cale已坐在房里练习钢琴与管风琴。十三岁时加入当地的青年管弦乐团担任小提琴手，可他的兴趣却不限于此。随着迈入青春期，他逐渐对大西洋彼岸的敲打诗人、现代音乐与摇滚乐产生浓厚兴趣。
结束伦敦Goldsmiths College的音乐课程，Cale飞往美国，于波士顿近郊的Berkshire Music Center继续深造。学期结束后他前往纽约，立刻被六零年代初期繁茂兴盛的纽约文化场景深深吸引，从此定居此地。他结识了现代音乐大师John Cage与Aaron Copland，前者甚至邀请他参与一项名为Vexations的表演。这是一首长约八十秒的钢琴曲，而在Cage的编排下，不同音乐家持续演奏了长达十八个小时。

成为专职乐手前，Cale于纽约的Orientalia书店工作，因此结识了更多诗人与艺术家。他也鼓起勇气造访了自己的偶像LaMonte Young（美国现代音乐巨匠），此举不但使Cale顺利加入LaMonte Young的乐队，也让他有机会接触到更多相同领域的优秀份子，同时打入了狂喜逸乐的纽约下东城嗑药场景。然而真正改变John Cale人生的是1965年。

一名来自Pickwick Records的制作人Terry Phillips将Cale引荐给当时仍默默无名的Lou Reed，原因是Phillips觉得Cale留了一头长发，"看起来就很像搞摇滚乐的"。起先Cale并不将这个机缘看成一次机会，只是应Lou Reed之邀，伙同其他朋友帮他伴奏。然而当Cale有机会接触到更多Lou Reed的创作，他才被歌曲里满溢的神经质、诗意与原创精神所打动。从某些层面来看，两人追求的其实是极为相似的艺术境界。于是他们窝在Cale的公寓里写歌，并一同施打海洛因。随后Lou Reed的朋友Sterling Morrison加入他们，Maureen Tucker也接受征召成为鼓手（取代了Angus MacLise），摇滚史上另类音乐的原型乐队Velvet Underground正式成军。

他们在Cale的公寓里录下了Heroin与Venus in Furs等曲子，同时持续搞砸各地的表演。他们的音乐在六零年代听来，活像下个世纪传回来的反响。光怪陆离且复杂难懂，传统的摇滚公式套在他们身上完全不管用。他们的表演几乎都以票房凄惨收场，Velvet Underground走在距离时代太远的前端位置，识货的人少之又少。其中一人恰巧名为Andy Warhol。

Warhol于Café Bizarre首次欣赏了Velvet Underground演出，马上认定这就是他一直寻找的”摇滚”乐队。自此将他们带入自己的工作室Factory，两组人马紧密结合；加上其他电影明星、艺术家与毒虫的相濡以沫，一连串翻天覆地的艺术革命遂一发不可收拾。六零年代后半部的纽约地下场景，不论电影、音乐或文化，几乎都与这群人脱不了关系。

Cale在Velvet Underground里负责贝斯、中提琴与钢琴的演奏，偶而担任演唱。虽然乐队的词曲创作几由Lou Reed一手包办，其他成员少有参与余地，Cale却在乐队的前两张专辑The Velvet Underground & Nico与White Light/White Heat里担任音乐走向的调配师。他将整组乐队的音乐走势往同一个方向集中，使之更趋向未抛光的粗糙本质。这些音乐虽看似简单，实则充满各式深奥难解的趣味。这也是为何Cale于1968年离团后，Velvet Underground的后两张专辑少了更多的实验况味，成为安全保守的作品。（这是相对于自己的比较。比起同期乐队，The Velvet Underground与Loaded仍是走在前面）

在John Cale的音乐里程中，他曾跟普普艺术大师Andy Warhol合作过，卖座动画片「史瑞克」也用了他所演唱的"Hallelujah"当插曲，他的合作伙伴从极简抽象派美学主义音乐先锋LaMonte Young到异类庞克团Super Furry Animals都有。继2003年佳评如潮的专辑「HoboSapiens」后，2005年10月，这位来自南威尔斯的天才音乐家将带来一样教人出乎意料的大碟【Black Acetate】。

在前作「HoboSapiens」中，John Cale在专为audio/MIDI录音创作所设计的软硬体系统Pro Tools的协助下，让他可以轻松的处理多样化声响，创造出传统类比式录音所无法呈现的音乐，专辑发表之后，乐界纷纷给予'激进之作、'John Cale的上等之作'的佳评。在最新大碟
【Black Acetate】里，John Cale希望音乐的创作可以朝更趋整体感的目标挺进，这一回用的是比较传统的乐器演奏方式，像是电吉他这类乐器，去创作一些不用一大堆电脑器材就可以做出具有现场感觉的歌曲，虽然，还是用了许多的乐器去搭衬出简单又美丽的旋律，但是，从专辑的第一首歌开始，惊喜的听觉就不断涌现。

John Cale近来听的音乐包括了Gorillaz、Jill Scott、Erykah Badu以及由Dr. Dre与The Neptunes的Pharrell Williams所制作的歌曲，Cale之所以欣赏这些艺人的创作，最主要的原因是因为他们将Cale在过去40年来所创造的音乐折衷主义精神发扬光大，同时他们的音乐也启发了Cale对于都会节拍领域的尝试。此番加入John Cale的音乐创作阵容包括了在Beck、Eels的专辑中担任制作/混音的Mickey Petralia，还有制作过Macy Gray专辑，在爵士与放克领域具有深厚的制作背景的鼓手/贝斯手/制作人Herb Graham, Jr.，以及实验主义音乐家Watts Prophets。专辑中的开场曲"OuttaTheBag"，Cale惯有的粗糙的男中音不见了，取而代之的是相当性格的假声唱法，专辑一路听下来，始终散发着一种相当引人侧目，吸引着听者的情绪的感觉，Cale表示，就算是我们从放克音乐切换到浪漫的歌曲"Satisfied"，或是Cale写给女儿 Eden，流露着几乎让人难以承受的沉痛感觉的歌曲"GravelDrive"，这样的情绪还是持续在整张专辑中不断的蔓延与扩散。"Grave Drive"也可以当作是每一位忙于音乐创作的音乐人向心爱的人表达歉意的歌曲。

过去这数十年，John Cale曾经把Dylan Thomas的诗作录制成专辑，帮过「沉默的羔羊」导演强纳森戴米所执导的电影「散弹露露」创作原声带，与老友Lou Reed合作专辑「Song For Drella」，或是再度与Velvet Underground巡回演唱，最后还出版了自传「What's Welsh For Zen」，在自传中他在描述自己在深入数位化世代后得到了重新振作的动力时说道:「直到我做完『HoboSapiens』这张专辑，我才了解到我一直都在用类比式录音手法进行创作，而数位化的革命浪潮却主导了那张专辑，如果你不能跟这股浪潮相抗衡，那就表示你努力的还不够多。」

对John Cale来说，音乐一直是情绪的出口，同时也是一种理智的挑战，到头来，做音乐靠的就是胆识，还有看你能把歌曲的情绪带到什么样的层面罢了!

尽管约翰·凯尔是名气最大，并且以他自己的方式对地下摇滚产生了巨大影响的音乐家之一，但他仍然属于最勇于突破传统的行列。关于他身披古典音乐学院背景却执着于“先锋音乐”(Avant-garde)的故事已经被广为传诵。但到现在为止，凯尔的大部分作品还是被主流音乐界拒之门外。而且将他称为“朋克”( Punk)和“新浪潮”(New wave)的教父显然也并不十分准确。

约翰·凯尔自19b6年和娄·里德( Lou Reed)组建“地下丝绒”(The Velvet Underground )时起，就开始给摇滚乐带来‘’先锋音乐”的听觉实验。他的作品展示了矛盾与对立的魔力:抒情诗与噪音，精密与粗糙，催眠般的反覆和突变……当他还是一个古典音乐学校的学生时，他就表现出了极端主义的倾向。在他学习理论和作曲的音乐学校的一次独奏演出上他推翻了一架钢琴。凯尔在英国学习完作曲后，于 1963年来到美国。在纽约他遇到娄·里德，后者帮他对电声乐器和摇滚乐有了最初的了解。不久他加人“地下丝绒”，在其中担任键盘、贝斯和电声中提琴的演奏。在出版了两张专辑后，凯尔在1968年离队单独发展。

在接下来的10年里，凯尔为80张专辑担当了制作人或者合作者，从伊基·波普((Iggy Pop和“傀儡" ( Stooges)的处女专辑到帕蒂·史密斯( Patti Smith )、乔纳森·里奇曼(Jonathan Richman)的“摩登恋人”( Modern Lovers )，还有前“地下丝绒”的成员尼可(Nico)的四张专辑，都有凯尔的参与。他还曾经和布莱恩·伊诺(Brian Eno)合作，并为安迪·沃霍尔(Andy Warhol )的电影制作过电影原声。但商业上的成功还是远离凯尔。他被人们尊称为“朋克的教父”之一，但这个地位却是他曾经反感并讽刺和挖苦过的，因为他最主要的兴趣还是在古典音乐上。1993年，为向安迪·沃霍尔致敬，凯尔和里德合作《给德雷拉的歌》( Songs for Drella ) 。

提到John Cale这个人，就不可能不提到The Velvet Underground(在此简称 VU)这个影响日后摇滚乐发展甚巨的先驱团体，他与Lou Reed被认为是VU的两大支柱，Lou Reed负责填词谱曲兼演唱，而John Cale则担任起创造出VU独特音乐氛围与音响空间的工作，虽然John Cale已于1968年离团，但是The Velvet Underground与Whit Light/White Heat两张专辑早已是摇滚乐殿堂级的唱片，成为后世乐迷膜拜的对象，这也是我认识John Cale的开端。
虽然从以前到现在，我对VU 的喜爱从未改变，但是他们1970年解散后，我只钟情于Lou Reed，买了他不少唱片，却将John Cale冷落在一旁，毕竟作为VU的front man与纽约音乐光景的代言人，Lou Reed占尽所有的丰采，而John Cale的成就，相对来说却失焦了，我对1970年之后John Cale的认知只剩下他是一名制作人，曾经制作过Nico(The Marble Index、Desertshore与The End)与Patti Smith(Horses)的专辑，就是这种简单的认知使我错过一年多前在台中一家二手唱片行流通、一系列三张的前卫摇滚极品Inside the Dream Syndicate(1962-1965，The Dream Syndicate的成员有La Monte Young、Tony Conrad与John Cale等人)，至今想起仍让我懊悔不已。
作为英国南威尔斯地区矿工之子的John Cale，出生于1942年，从小便展现其过人的音乐天份，接受正统的古典音乐训练，并且于青少年时期曾在BBC表演过，1960年代初期从英国转战美国东岸，尤其是当时蓬勃发展的纽约地下音乐更是吸引了John Cale的目光，其对音乐的理念深受John Cage等现代音乐大师的影响，也一头栽进前卫摇滚的领域，并与La Monte Young等人组成上述提及的The Dream Syndicate(又称The Theatre of Eternal Music)，这一群人对极微主义的实验开发，奠定了美国现代摇滚音乐的根基；其后John Cale结识Lou Reed，共创The Velvet Underground，John Cale也将The Dream Syndicate的前卫风格带入VU，美国摇滚乐丰富多变的历史就此展开，到了另类音乐大行其道的1990年代正式丰富收割。
除了担任制作人外，John Cale于1970年开始发展个人音乐生涯，推出专辑唱片，迄今已累积数十张个人专辑发行，基本上，其所有唱片可以区分为两大类，一是充满实验性质，并与 John Cage、Brian Eno、Bob Neuwirth与Terry Riley等名家合作的前卫艺术的作品，另一类则是旋律优美动人的流行摇滚专辑，但是即使是平易近人的专辑，John Cale的音乐仍是低调、富有哲理，并且可以轻易地与缺乏个性的流行乐唱片区隔开来，这种区别在于John Cale的专辑会随着聆听次数的增加而有不同的领悟，时间的流逝更突显其深厚的内涵，而Paris 1919正是一张这样的唱片，这也是11月底波士顿之行我购买CD最大的惊喜之一。
发行于1973年的Paris 1919被认为是John Cale生涯中最美丽动人的一张唱片，他雇用了UCLA Symphony Orchestra为整张专辑伴奏，这种大量采用弦乐的方式柔化了摇滚乐原本较为阳刚的肌理，并且使得Paris 1919这张唱片呈现出一幅优雅迷人的面貌，也替盛行于90年代的Chamber pop乐风立下典范，而从此处我们也可见识到John Cale在Lou Reed主导VU时期被埋没的作曲才华，每首歌曲的旋律皆流畅易记，几乎让人忘记他作为一位前卫艺术实践者的身分，重点是曲调长青且不落俗套，这种游刃有余游走于流行与前卫两极领域正是John Cale之所以独特的地方，也相当令人佩服。

Brian Eno
世纪最伟大的音乐改革家
Ambient音乐的先锋、魅力摇滚乐者、顶级音乐制作人、多媒体艺术大师
集ambient先锋，glam-rock巨星，超级制作人，多媒体艺术家等众多称号于一身（却称自己从来不是什么音乐家），Brian Eno已俨然可谓是英国当代音乐史上的一个传奇。

关于Ambient（氛围音乐）
Brian Eno之前 "那些过去不被接受的声音已被用于音乐创作,音乐界过去的那种宁静从此被搅浑" "20世纪是音乐革命的时代" ——《音乐中的新方向》David Cope

氛围音乐源于70年代艺术家们的一种实验性的电子合成音乐，代表人物如Brian Eno和Kraftwerk,同时也具有80年代trance风格的数码舞蹈乐曲。氛围音乐是一种有足够空间让人发挥的有着声波结构的电子音乐。它没有作词或作曲的束缚。尽管艺术家在创作之间有暗示性的差异，但对于偶然一次的听众来说，它只是不断地在重复和没有变化的声音。多亏像Orb和Aphex Twin的氛围数码音乐家们，才使90年代早期，氛围音乐成为一种令人痴迷的音乐。
什么是ambient music,AMG对Ambient music的解释是,一种具有空间感的电子乐,常较关注声音材质,多重复,无歌词或谱曲.对那些偶尔听这种音乐的听众而言,尽管作曲家的风格可能有很大的不同,他们听上去却差不多.
也许是由于它听上去显得颇为深奥以至于不能吸引大量的听众.很多Ambient音乐是由一票同时涉足其他音乐形式的音乐家所创作,他们都有不同的传统或背景:学院派的试验电子,Minimal Music,Spacemusic,舞曲音乐,民族电子乐,歌特或工业音乐等等,这种作曲者身份的复杂性很容易导致跨"行业"作业.Ambient Music的定义从一开始就是极端含混的,后来Ambient更是渐渐远离了最初所强调那种具象之声,而用一种更不清晰可辨的手法来处理声音,更加注重声音的空间感,色彩和音色,而不再仅仅是局限再背景节奏,可辨旋律及和声结构的有或无.

在荷马史诗奥德赛中提及的一种叫做"伊奥利亚竖琴"(aeolean harp)乐器,拿现代的概念看来,通过它产生的音乐可能是最早的Ambient音乐.伊奥利亚竖琴通常被挂在室外,当气流(风)通过琴弦时便能自动演奏.再后来由教堂管风琴所演奏的音乐也可看作是Ambient音乐,教堂中演奏管风琴的目的不在于让信众聆听, 而是让信徒们的精力更为集中,并帮助营造那种在布道时应有的气氛.这种为了改变参与者某种状态的教堂音乐,同当时盛行的音乐大厅或私人室内乐演奏场所的音乐有在功能上有很大不同.这些早就存在的音乐其背后的理念同今天的Ambient Music有共同之处.

早期的音乐多数只使用五度音程,越来越多的音程在后来被允许使用,如四度,三度和六度等等,到勋勃格的12音音乐(twelve-tone music)中更是任何音程都被允许使用.当然这些发展无疑仍是在乐音的线性概念下进行的,一定的音高和具体的时长等等.勋勃格和同时代的其他作曲家如德彪西及拉威尔的突破在于,让音乐从内心主观世界(情感世界)向外在客观世界靠近了一步,有趣的是,这和同一时代的印象派绘画正好走了相反的路线

Brian Eno

Brian Eno：（1948－）英国人，本世纪最伟大的音乐改革家之一，曾为艺术摇滚乐队Roxy Music首脑，后开创了电子乐中的“环境音乐（Ambient）”与“可生产音乐（Generative Music）”等种类，并是现代音乐界最著名的合作者与制作人。

Brain Eno，对于电子元素在pop中的应用有着创造性的发明和实验，可是他最出名还是他的ambient music(氛围音乐)——一种依靠合成器创造出某种环境的音乐类型。

Brian Eno可谓是Ambient音乐的泰斗级人物了。从1974年的第一张专辑开始，他常青的创作灵感一直延续到30年后的现在。他的身份多重： Ambient音乐的先锋、魅力摇滚乐者、顶级音乐制作人、多媒体艺术大师。他带来音乐技术的创新，支持世界音乐的发展，却又自称非音乐人士。他通过音乐实践挑战音乐理论；通过先思挑战机缘，通过音艺挑战音质。此中，Eno改变了音乐的欣赏、创作、表达和感知方式。他的影响力更是超越Ambient，到达 punk, techno和new age音乐。
Eno的全名是Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno。他于1948年5月15日出生于英格兰的伍德布里奇。在艺术学校里，Eno接触到当代作曲家如 John Tilbury 和Cornelius Cardew，以及简约抽象艺术家John Cage, LaMonte Young 和 Terry Riley 的一些作品。受到Steve Reich卡带管弦乐作品《雨将至》（It’s Gonna Rain）的启发，修习概念派油画和声像雕塑的Eno开始尝试用卡带录音机（Eno称其为自己学习的第一件乐器）进行音乐创作。
Eno随后加入先锋派表演艺术剧团Merchant Taylor's Simultaneous Cabinet，并成为即兴摇滚乐团Maxwell Demon的和声兼信号师。1969年Eno加入Cardew's Scratch 管弦乐团，之后又在Portsmouth Sinfoni乐团里吹起了单簧管。1971，他成为创新魅力乐团Roxy Music的一员，负责电音合成，并因此成名。但是名气也给Eno与乐队焦点人物Bryan Ferry的关系蒙上了一层霜。在乐队发行两张LP（1972年的同名专辑和1973年的For Your Pleasure）之后，Eno离开了Roxy，开始了不同的音乐历程。
1973年，Eno与Robert Fripp合作录制了No Pussyfooting。在专辑制作过程中，Eno发明了 “磁带延迟”技法（Eno将其命名为Frippertronics）---他把Fripp的吉他音乐做了循环延迟，以求通过录音技艺另辟音乐创作之蹊径。这种技法为以后Hip-hop和电子音乐的采样打下了铺垫。在此之后，Eno投身于独立创作，并很快推出了狂野的实验乐专辑Here Come the Warm Jets，专辑一发行就登上了当时英国榜的Top30。帮助the Winkies乐队英国巡回演出暖场的途中，Eno终于病体不支，住进了医院。
1974年下半年，Eno病愈出院。他来到了美国华人最多的城市之一旧金山。在那里，他偶然中看到了一套描写中国革命时期戏剧文艺的贺年卡。Eno受到启发，创作并推出了1974年的《智取威虎山》Taking Tiger Mountain (By Strategy)。这也是Eno创作史上又一次对自由体抽象波普音乐的尝试。1975年，Eno遇上了车祸。在卧床修养的数月中，Eno带来了一次最具重要意义的音乐创新---氛围音乐(Ambient Music)。躺在病床上的他想用音乐的声音盖过暴风雨的喧嚣，但是却不能起身。灵感的火花就在这时点燃：Eno意识到音乐也可以拥有与光和色同样的属性，它可以融入特定的氛围，但却不会扰乱背景的平衡。基于这样的认识，Eno在1975推出了简约风格的Another Green World，此后，他全身心地投入到氛围音乐的创作。后来，他又带来了新的器乐发明：Discreet Music，这亦是他实验十部曲系列的第一章节。
1975 年的某天，Brian Eno因车祸住院。整天躺在床上不能动弹，他请朋友给他带来了一张竖琴音乐唱片。此时，屋外下起了大雨，雨点打在窗户上的声音和着极轻微的竖琴音乐， Brian Eno这个老机会主义分子忽然发现病房里的光线和色彩正随着雨声和音乐的交响微妙地起着变化。之后，我们就有了一种名为Ambient（环境音乐）的音乐横空出世。这是正式考证的Ambient的来由。事实上环境音乐观念的形成却要比Brian Eno的车祸要早得多。
从音乐性上看，可能 Brian Eno无法与一些更加激进的音乐家相比。但确是他最早将音乐的环境功能用具体的音乐实践强化了出来。Brian Eno自己也一再强调，他的环境音乐是作为背景音乐而存在的。从他的专辑名称中就能看到这点：《Music for Airport》（■机场音乐）、《Music for Film》（电影音乐）。他将音乐彻底与线性聆赏习惯分离了。这颇有当年Eilk Satier 意思。但个人以为，他的意义仅仅在于提出了Ambient这个概念，为许多行前的艺术家的作品正了名，仅此而已。此外，他所谓环境艺术观念的先行者也影响了一代新生艺术家。Brian Eno的环境装置艺术，在幻彩的霓虹下，还是相当赏心悦目的。
从Brian Eno开始，环境音乐由无意识的自由创作走向了观念的自发之路。一大批音乐家，几乎与朋克音乐平行地，在牛皮哄哄的另一端，安静地用声音改变的环境。

Brian Eno是少数几位在当代流行音乐的领域里可以称得上最具冒险创新精神的开路先锋，一代大师。他的音乐理论一直都是那么地「后现代兼划时代」；他的影响力从七~年代开始在名团Roxy Music开始一直到现在九~年代为止还丝毫未减。Punk、Noise Rock、Ambient无一不是受到他的启发和开示。Brian Eno在电子音乐的世界里是一位不断沉思发想的哲学家；一位安静的天才。
Brian Eno过去在摇滚乐界的重要影响在此不表。光凭他一手「发明」「定义」了所谓的〝Ambient〞就足以流芳万世。Eno是如何「发明」Ambient的理论的呢？说起来是一场意外。1975年的1月18日，Eno从Island唱片公司的录音室走回家的时候不幸发生了一场车祸，被一台出租车撞个正着，还好当时他虽然伤势不轻，但没有一命呜呼，否则我们今天恐怕还没有〝Ambient〞这种音乐可听。当他被送进医院住院疗养的时候，有位来探望他的朋友带了一张18世纪竖琴（Harp）音乐演奏的唱片给他解闷。当他的朋友走了之后，躺在床上的Brian Eno拖着伤重的身体好不容易走到房间的另一头打开音响播放这张唱片，才刚躺回床上，Eno才发现音响的两个喇叭有问题，其中一个坏掉了，另一个音量时大时小，在窗外倾盆大雨的陪衬下，几乎听不清楚。由于身体非常虚弱，Eno懒得再起床去调整音量。就在这样的状况下，Eno忽然意识到一种新的音乐的可能性；不需要全神贯注的去聆听，却具有一般所谓的「音乐」所没有的功能性。
Eno随即开始他的新概念的实验。1975年5月9日，Eno自己录了好几卷录音带，内容是他用预先programme好的合成器再加上延迟（Delay）效果重复剪接而成的。第二天他找来了常常和他一起合作的伙伴 Robert Fripp（前卫摇滚名团King Crimson团长）来，然后将这些Tapes用正常转速的一半速度播放给Robert Fripp听。结果两人都对于这样制造出来的奇怪音乐感到非常有趣，觉得大有可为；而这次的实验结果就被录下来成为Eno的Discreet Music。Discreet Music这张专辑代表的是一种非常不一样的作曲和录音方式。例如Eno使用了一系列预先设计好的Presets，以及使用Tape Machine（盘带机）直接作Loop，Delay效果器以及把整个录音室当作一个乐器来使用的观念在当时都是划时代的独创发明。不过在 Discreet Music专辑里最具突破性的重要概念是它的作曲方法论。只着重声音本身的质地和变化而完全忽略传统音乐里强调的旋律和节奏，同时这种「非线性」（Non -Linear）的乐曲结构和缺乏所谓的高潮和重点的声音流动使得听者可以在音乐进行当中的任何时刻开始聆听或完全忽略它的存在。
在发表了Discreet Music之后，Eno陆续又发行了好几张定义了〝Ambient〞这个词语的真正涵义的专辑，包括：Music For Airports、The Plateaux Of Mirrors和On Land等专辑再加上他和一些其它的音乐人士共同合作的Ambient实验作品。然而，Ambient音乐一直到了九~年代才开始大行其道，由于Rave 文化的兴起，The Orb和Mixmaster Morris等团体和艺人的发扬光大；Brian Eno的前卫观念和重要性可以说已经溶入了这个时代之中，成为我们的一部份了。

有人说Brian Eno影响了德国电子音乐，听着有点耸人听闻，但他确实在70-80年代与众多当时众多音乐家合作了很多专辑，其中德国占了很大的比例。而且这些合作的作品不论是当时还是现在都可以算作是经典作品（想像一下，在你甚至还不知道电子琴是何物，摇滚到底是摇还是滚的时候，人家已经在搞实验音乐了），如果把 Eno的名字倒过来，大概正好可以说明他在电子音乐领域的位置，那就是“One”。他的听众绝对不比ElvisPresley少，但不是在排行榜上，而是在软件中。估计没有多少人知道Windows95的开始曲是出自这位先锋音乐家的手笔。BrianEno严格地讲算不得一个音乐家，他像工程师一样拆卸着音乐，最后拆出了“环境音乐”（ambient）；他像一个先知者，作出了20年后的音乐，当90年代的电子乐伴随着各种尖端音乐制作设备泛滥成灾时，却发现这一切都没有脱离Eno在20年前用简陋设备鼓捣出的那些无人问津的玩意儿。

曲目
1. Lay My Love
2. One Word
3. In The Backroom
4. Empty Frame
5. Cordoba
6. Spinning Away
7. Footsteps
8. Been There Done That
9. Crime In The Desert
10. River, The
11. Grandfather's House
12. You Don't Miss Your Water